Ich erinnere mich noch genau an den Moment, in dem ich das Malmesser AFFILIATE-LINK: Malmesser / Spachtel zum ersten Mal auf diese Leinwand AFFILIATE-LINK: Leinwand gesetzt habe. Kein Pinsel, keine Skizze, kein Plan. Nur eine dunkle, fast schwarzgrüne Fläche vor mir und ein Klumpen Farbe auf der Palette AFFILIATE-LINK: Mischpalette – ein warmes, staubiges Rosé, das ich mit etwas Weiß und einem Hauch Orange gebrochen hatte. Ich wusste in diesem Augenblick nicht, was entstehen würde. Ich wusste nur, dass ich etwas fühlen wollte, während ich male, nicht etwas kontrollieren.
Das ist für mich der eigentliche Kern dieser Arbeit: das Loslassen. Ich arbeite fast ausschließlich mit dem Malmesser, wenn ich diese Blütenbilder male, und ich tue das ganz bewusst so willkürlich wie möglich. Kein Pinselstrich, der eine Linie vorzeichnet, kein Zirkel, der eine Rundung erzwingt. Ich nehme die Farbe direkt aus der Tube oder von der Palette, drücke sie mit der Klinge auf die Leinwand und ziehe, drehe, schiebe sie so lange, bis sich unter meinen Händen etwas formt, das ich selbst erst im Nachhinein erkenne. Es ist ein bisschen wie automatisches Schreiben, nur mit Farbe statt mit Worten. Die Hand bewegt sich, das Auge beobachtet, und irgendwann sagt ein Teil von mir: Stopp, genau so soll es bleiben.
Die Geburt der Rosen aus dem Zufall
Was mich an dieser Technik so fasziniert, ist, wie sehr sich organische Formen von selbst einstellen, sobald man dem Material seinen eigenen Willen lässt. Ich habe nie eine Rose im klassischen Sinn gemalt – ich habe sie eher geschält. Jede Bewegung mit dem Messer trägt Farbe ab, schiebt sie zur Seite, faltet sie über sich selbst, und plötzlich entsteht dieser Wirbel, dieses spiralförmige Zentrum, das man sofort als Blüte liest, obwohl ich nie eine einzige Linie bewusst als „Blütenblatt” geplant habe. Es ist fast so, als würde die Rose sich selbst erschaffen wollen, sobald genug Farbe, genug Bewegung und genug Zeit zusammenkommen.
In diesem Bild sind es mehrere dieser Blüten, die sich über die Leinwand verteilen, manche am Rand angeschnitten, manche mit tiefen, fast schwarzen Kernen, aus denen ein warmes Orange oder ein dunkles Karminrot herausblitzt. Diese dunklen Zentren sind für mich die eigentlichen Anker des Bildes. Sie geben dem Auge einen Ort, an dem es zur Ruhe kommen kann, inmitten all der aufgewühlten, cremig-rosafarbenen Textur drumherum. Ohne diese dunklen Punkte würde das Bild vermutlich zerfließen – mit ihnen bekommt es eine Art Atem, ein Ein- und Ausatmen zwischen Fülle und Leere.
Textur als eigene Sprache
Ich liebe die Textur, die durch das Malmesser entsteht, fast mehr als die Farbe selbst. Wenn man nah an die Leinwand herangeht, sieht man, wie die Farbe in Wellen, Graten und kleinen Rissen liegt – manchmal dick wie Sahne, manchmal hauchdünn, wo das Messer fast trocken über die Fläche gezogen ist. Diese Reliefstruktur verändert sich je nach Lichteinfall völlig. Am Morgen, wenn das Licht flach durchs Fenster fällt, wirft jede Erhebung einen kleinen Schatten, und das ganze Bild beginnt fast zu vibrieren. Am Abend, bei warmem Kunstlicht, verschwinden diese Schatten, und die Farben selbst treten stärker in den Vordergrund. Ein gemaltes Bild mit Pinsel bleibt sich meistens gleich, egal wie das Licht fällt. Ein Bild mit dieser Spachteltechnik lebt weiter, es verändert sich mit dem Raum, mit der Tageszeit, mit der Stimmung, in der man es betrachtet.
Gerade deshalb male ich so gerne mit dem Messer statt mit dem Pinsel. Es gibt mir die Möglichkeit, Dreidimensionalität in ein zweidimensionales Medium zu bringen, ohne dass ich modellieren oder skulptieren muss. Die Farbe selbst wird zur Skulptur, zur Landschaft, die man fast ertasten möchte.
Die Farbwelt: Rosé, Karmin, Anthrazit
Die Farbpalette, die ich für dieses Bild gewählt habe, ist sehr bewusst reduziert. Ein warmes, gebrochenes Rosé bildet die Basis, durchsetzt mit helleren, fast cremeweißen Höhungen und dunkleren, ins Terrakotta und Karmesin gehenden Schattierungen. AFFILIATE-LINK: Acrylfarben Rosé / Karmin / Weiß Dazwischen kleine, fast beiläufige Akzente aus einem satten Orange, die wie kleine Lichtblitze aus dem Inneren der Blüten hervorbrechen. Und als Kontrast dazu dieser tiefe, fast schwarze Blaugrün-Ton im Hintergrund, der an manchen Stellen durch die Blütenmasse hindurchschimmert.
Dieser dunkle Hintergrund war mir besonders wichtig. Ohne ihn würden die Rosatöne blass und kraftlos wirken. Erst im Kontrast zu dieser fast nächtlichen Tiefe beginnen sie zu leuchten, fast so, als würden die Blüten selbst eine eigene Lichtquelle besitzen. Ich mag diese Spannung zwischen Wärme und Kühle, zwischen Fülle und Dunkelheit. Für mich steht das sinnbildlich für vieles im Leben: Das Schöne, das Zarte gewinnt erst seine wahre Kraft, wenn es sich gegen einen dunklen Hintergrund behaupten muss.
Warum Blumen – und warum gerade so
Ich werde oft gefragt, warum ich immer wieder zu floralen Motiven zurückkehre. Die ehrliche Antwort ist: weil Blumen für mich der perfekte Vorwand sind, um über Vergänglichkeit, Wachstum und Intensität zu sprechen, ohne es explizit tun zu müssen. Eine Rose blüht, öffnet sich vollkommen, und beginnt im selben Moment schon wieder zu vergehen. Dieses Zugleich von Höhepunkt und Abschied fasziniert mich zutiefst. Wenn ich mit dem Messer arbeite und die Blüte quasi im Farbauftrag „aufblühen” lasse, spüre ich oft körperlich, wie sich dieser Moment der vollen Entfaltung anfühlt – ein bisschen chaotisch, ein bisschen überwältigend, aber absolut lebendig.
Gleichzeitig geht es mir nie darum, botanisch korrekte Rosen abzubilden. Ich will keine Illustration, ich will ein Gefühl. Deshalb lasse ich die Formen bewusst unscharf, ineinander verschwimmen, manchmal kaum noch als Blüte erkennbar, eher als reine Bewegung, reine Energie in Farbe gegossen. Manche Betrachter sehen in solchen Bildern auch andere Dinge – Wellen, Muscheln, organische Strukturen aus der Natur, die nichts mit Blumen zu tun haben. Das gefällt mir sehr gut. Ich möchte, dass jeder Mensch, der vor dem Bild steht, seine eigene Assoziation findet.
Der Prozess: zwischen Kontrolle und Kontrollverlust
Was viele nicht wissen: Diese scheinbar wilde, spontane Malweise erfordert trotzdem eine Menge Disziplin. Man muss lernen, wann man aufhören muss. Das Malmesser verführt einen dazu, immer weiterzuarbeiten, noch eine Schicht, noch eine Bewegung, noch eine Korrektur. Aber genau dann verliert das Bild oft seine Frische. Die schönsten Momente in meiner Arbeit sind die, in denen ich mich zurückhalte, obwohl mein Instinkt sagt: mach weiter. Ich habe gelernt, dass die Unvollkommenheit, die Kanten, die nicht ganz sauber sind, die Übergänge, die roh bleiben, oft genau das sind, was ein Bild lebendig macht.
Ich arbeite meist ohne Vorzeichnung, direkt auf der Leinwand, oft im Stehen, damit ich mit dem ganzen Körper und nicht nur mit dem Handgelenk arbeiten kann. Manchmal drehe ich die Leinwand während des Malens, damit die Bewegungen nicht immer aus derselben Richtung kommen und sich das Bild in alle Richtungen gleichmäßig entwickeln kann. Diese physische Komponente des Malens – das Drücken, Ziehen, manchmal fast Kämpfen mit der zähen Ölfarbenkonsistenz der Acrylfarbe – ist für mich ein wichtiger Teil des kreativen Prozesses. Es ist kein rein visuelles, sondern auch ein sehr körperliches Erlebnis.
Was dieses Bild für mich bedeutet
Wenn ich heute vor diesem fertigen Werk stehe, sehe ich nicht nur Farbe und Form. Ich sehe die Summe unzähliger kleiner Entscheidungen, die im Bruchteil einer Sekunde getroffen wurden, ohne langes Nachdenken. Ich sehe Momente der Unsicherheit, in denen ich kurz innehielt, bevor ich die nächste Farbe aufnahm. Und ich sehe vor allem diese Bereitschaft, sich dem Material anzuvertrauen, statt es zu beherrschen.
Für mich hat dieses Bild etwas sehr Meditatives. Es erinnert mich daran, dass nicht alles im Leben geplant, kontrolliert und vorausberechnet werden muss, um schön oder bedeutsam zu sein. Manchmal entsteht das Schönste genau dann, wenn wir aufhören, es erzwingen zu wollen.
Ich hoffe, dieses Bild berührt euch genauso, wie es mich beim Malen berührt hat – mit seiner Fülle, seiner Wärme, seiner Textur, die man förmlich spüren kann, auch wenn man nur ein Foto davon sieht. Wenn ihr genauer hinseht, werdet ihr vielleicht eure eigene kleine Geschichte in den Wirbeln und Blütenzentren entdecken. Genau das wünsche ich mir am meisten von meiner Kunst: dass sie nicht endet, wo der letzte Pinselstrich – oder in diesem Fall, der letzte Messerstrich – aufhört, sondern in den Augen und Gedanken derjenigen weiterlebt, die sie betrachten.
Danke, dass ihr euch die Zeit genommen habt, mit mir in diese kleine Farbwelt einzutauchen.